Ricardo III

PROYECTOS La Casa Encendida presenta


De Salonnières: Primer festival de artes escénicas y salonísticas

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  • 12/05/2016 : 0:15
  • Redacción tat
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"De Salonnières".
"De Salonnières".

En La casa encendida, del 17 al 29 de mayo de 2016, nace "De Salonnières", un proyecto de artes escénicas y salonísticas que propone la creación de un espacio-tiempo en el que los protagonistas sean la conversación, el cuerpo y el movimiento, recuperando así el espíritu de los salones originados en el siglo XVII.. Organizado por Juan Perno y Gloria G. Durán.

Durante dos semanas, La Casa Encendida convertirá una de sus salas expositivas en un salón en el que se hablará del arte mismo de conversar, de ciberpolítica, de brotes y kombucha, del pensamiento del corazón, de cómo la masculinidad se distrae en la pista de baile, de (anti)terrorismo, de anatomía, de ocultoides, de lúcidas locas, de memoria holográfica y dadá, de pulpos y de arañas

A su vez, el Patio acogerá siete propuestas coreográficas y de performance de artistas que, en su mayoría, actúan por primera vez en Madrid. Son

-"Ideas invisibles", de Jara Serrano;

- "Relincho", de Carmen Meinhof;

- "Encapsulated music or/and script for Empathy", de Claudia Pagés;

-"Uro", de Anna Natt;

- "Nunca llevo falda porque no sé cruzar las piernas", de Ángela Millano;

- "One is almost never", de Elpida Orfanidou;

- "Death 24 frames per second", de Agata Siniarska; 

- "Tu noche y la mía", de Tania Arias.

No será hasta el Renacimiento cuando el arte de la conversación comenzará a interesar a las élites, y no será hasta el siglo XVII cuando tal arte se convertirá en furor. “Conversar” se refirió entonces al hecho de estar juntos e imaginar nuevas formas del ser y del estar y no tanto al de hablar más allá de lo necesario sobre algún tema. Tras el arte llegará el lugar para ejercitarlo, el salón y la dama para facilitarlo: la salonniére. Madame de Rambouillet es la primera de esta larga saga. Su Estancia Azul, situada en su palacio (que se erguía allá donde hoy se encuentra el pabellón Turgot del Museo del Louvre), se convirtió en el primer centro de encuentro en el que intelectuales, artistas, aristócratas, tanto hombres como mujeres hacían por inventar un mundo nuevo y un nuevo lenguaje para habitarlo.

Los salones han, desde ese tiempo fundacional, pervivido de mil maneras. Este ciclo, De Salonnières, quiere, entre performances y conversaciones, ampliar la capacidad de comprensión y percepción hasta afrontar nuevas vías de habitar este mundo. Quiere conversar sobre muchos temas, reconocer lo posible que viene a partir de lo que seamos capaces de imaginar, especular, conspirar y experimentar. Quiere ser un compartir la razón común y su espíritu.

Por su parte, las 8 propuestas escénicas y coreográficas que se presentan en el festival acogen muy diversos trabajos de salonnières de la escena internacional que no se habían presentado antes en España. Propuestas de salones o salones escénicos que recogen la experimentación y el lenguaje de la performance y coreografía más actual en 8 solos de mujeres.

Juan Perno es licenciado en filosofía y doctorado en el departamento de vídeo y fotografía de la UPV. Videoartista, profesor, investigador, publicista, gestor cultural, performer... son algunas de las aventuras que asume en su viaje impredecible e inesperado. Amante de las supernovas, de la mística eleática y del archipiélago de las Mascareignes actualmente desarrolla un proyecto multidisciplinar sobre el silencio y los lugares oscuros del saber.

Gloria G. Durán nació en Madrid y es doctora en Bellas Artes, experta en dandys mujeres, o en dandysmo y contragénero, que es como llamó a su tesis y a sus libros para evitar ese término tan pegado a tantas cosas que es el de "mujer". Hizo una postdoctoral, y antes estuvo en muchos lugares, recogió naranjas, ilustro a los jóvenes, dibujo, navegó, bailó, monto en bicicleta, aprendió. Ahora trabaja en Intermediae Matadero Madrid, está pendiente de los dadaístas e indaga para profundizar el mundo de los salones, o bien en la posibilidad de que un grupo de gentes conversen y en ese conversar vayan, poco a poco, cambiando cosas, incluidas ellas mismas.

Programa:

Martes 17 de mayo - 20.00 h
“Metasalón. De autonomía y salonnières”, por Jordi Claramonte y Gloria G. Durán.
Hablará de un arte, el de conversar, y de una deriva de este arte, la de convertirnos en soberanos de nosotros mismo. Hablará pues de autonomía, de la ilustrada, de la moderna y de la modal. Recorrerá el desdibujamiento de esa línea que separa lo privado de lo público. Transitará la historia de los salones y recorrerá varias posibles líneas de fuga, las aristocráticas de pompón y las de intemperie. Las diversas autonomías y la reactualización constante de la génesis de un contrapoder que es radical pero es elegante.

Jordi Claramonte nació en Vilareal en el año 1969. Hacia los 18 años tomó tres o cuatro decisiones juntas (con posterioridad no se sabe que haya tomado ninguna más): estudiar filosofía a distancia, vivir cerca del mar, trabajar en una fábrica y hacerse insumiso al servicio militar. Era mucho lío, así que al final ha tenido que renunciar a la fábrica y al mar. Ha quedado la filosofía, la distancia y la insumisión.

Miércoles 18 de mayo - 11.00 h. Salón 1
“Hombres on the dance floor. Coreografías de género para masculinidades distraídas”, por Antonio Agustín García.
Las masculinidades están en danza. Bailan las nuevas, las reticentes, bailan las molestas y lo hacen las que molan. Todas ellas en coreografías que hacen género y con las que se acompasan las subjetividades (un poco contrariadas) a través de cotidianos encuentros y desencuentros. "¿Hemos perdido el paso? Yo diría que sí. ¿Pisamos a nuestras parejas en nuestros giros torpes y fuera de ritmo? Todo el rato. ¿Nos creemos los reyes de la pista? No sabes cómo. ¿Y si la salida a este embrollo estuviera en que practicásemos 'masculinidades distraídas'? No me cabe la menor duda. Esto tenemos que hablarlo…"

Antonio Agustín García es profesor de Sociología en la Universidad Complutense de Madrid y miembro del grupo de investigación Sociología Ordinaria. Su campo de especialización es el de los estudios de la masculinidad y desde ellos investiga y reflexiona sobre las transformaciones recientes en las subjetividades de los varones heterosexuales.

Miércoles 18 de mayo - 19:00 h. Salón 2
“Yo no soy Je Suis. (Anti)terrorismo como moda”, por Álvaro Antona Villar.
"¿Nos hemos parado alguna vez a preguntarnos qué son los Suníes, los Chiíes, los Jareyíes, los Wahabíes, los Alebís, los Zaydíes, etc., o qué es la “Yihad”? ¿O simplemente nos quedamos con lo que nos llega de ellos, sin indagar, ni por un solo segundo dónde y cómo nacen? Aunque estemos siendo víctimas de atentados terroristas provenientes de un mismo origen ¿nos solidarizamos más con los “cercanos” que con los “lejanos”? ¿Qué significa exactamente “globalización” y para qué sirve? ¿Puede ser la Yihad una “moda” para los que la sufren así como para los que se suman a ella? Próxima estación: Humanidad".

Álvaro Antona Villar es licenciado en filología árabe por la U.C.M, guitarrista flamenco y sufí. Ha vivido y estudiado en numerosos países musulmanes como Egipto, Túnez, Marruecos y Turquía entre otros, especializándose en diferentes conflictos socio-políticos relacionados con el mundo árabe. Realiza diferentes estudios sobre inmigración e integración en Europa así como sobre los orígenes de la música arabo-andalusí llegando a trabajar con diferentes embajadas en calidad de conferenciante y divulgador de la cultura arabo-andaluza y los orígenes de Al-Andalus.

Jueves 19 de mayo - 11.00 h. Salón 3

“Las ocho huellas. De arañas, pulpos y otros animales”, por Manuel Marquerie Córdoba y Alberto Pezonaga.
Una conversación y viaje al mundo de los animales con 8 extremidades.

Manuel Marquerie y Alberto Pezonaga son estudiantes de segundo de bachillerato de biología que sienten atracción por cosas que la gente considera repugnantes.

Jueves 19 de mayo - 19.00 h. Salón 4
“Pareidolia. El pensamiento del corazón”, por Jesús Olmo.
¿Trastorno psicológico de la percepción por razones evolutivas? ¿Síntoma de una imaginación creadora que convierte lo abstracto en figurativo? ¿Revelación de una dimensión oculta de lo real? ¿Expresión del anhelo por encontrar el Rostro Original del que hablan los místicos? Este salón propone un encuentro en torno a la Pareidolia, un fascinante fenómeno sensorial mediante el cual un estímulo visual presuntamente aleatorio es visto como reconocible y significativo: imágenes de rostros o animales en nubes, piedras, y en toda clase de objetos, texturas y manchas. La palabra ‘pareidolia’ procede del griego ‘para’ (‘adjunto’ o ‘junto a’) y ‘eidolon’, diminutivo de ‘eidos’ (‘imagen’, ‘forma’, ‘figura’). La idea implícita sería: 'imagen o figura adjunta'. Ahora bien, el órgano que percibe estos rostros es el corazón. El pensamiento del corazón es fisonómico. Para percibir, debe imaginar. Debe ver formas, figuras, rostros, ángeles, demonios, criaturas de todo tipo en cualquier clase de objetos; de este modo el pensamiento del corazón personifica, anima e infunde vida al mundo.

Jesús Olmo es guionista, hace vídeos y dice "que es posible ver las cosas tal y como son cuando uno no está ahí".

Jueves 19 de mayo - 21.00 h. Performance 1

"Ideas invisibles", de Jara Serrano
Un Humano. Dos cuerpos atrapados entre la niñez y la edad adulta: la protección y la vulnerabilidad, la opresión y la liberación, el deseo y la aversión, el desprecio, la desesperación... La claridad, el enfoque y la intensidad de los movimientos muestran el cuerpo como un objeto que se transforma, como un péndulo, de un estado a otro describiendo a su vez emociones prohibidas. Movimientos abstractos y narrativos hacen visible la delgada línea entre la fantasía y la realidad.

Jara Serrano González estudió Ballet clásico en la escuela de Víctor Ullate de Madrid y terminó sus estudios de danza contemporánea en la Hogeschool voor de Amsterdamse Kunsten de Ámsterdam. Formó parte en proyecto D.A.N.C.E across Europe, bajo la dirección de William Forsythe, Weing MacGregor, Angelin Prejocal, Frédéric Flamand, en Bruselas y Dresden. Jara ha trabajado como bailarina con Pierre Droulers en Charleroi Danses, Forsythe Company, Colette Sadler y otros coreógrafos en Berlín como Bikash Chatterjee. Actualmente trabaja como profesora en danza contemporánea y sigue desarrollando sus proyectos coreográficos.

Viernes 20 de mayo - 11.00 h. Salón 5
“Ciber(movilizaciones), ciber(acciones) y ciber(actuados). Del narcisismo cívico a la incidencia política”, por Carmen Haro Barba y José Manuel Sánchez Duarte
La nevera de la academia contiene múltiples definiciones congeladas de las prácticas políticas en red. El ciberactivismo, la ciberdemocracia o las cibermovilizaciones se resguardan en compartimentos estancos reticentes a ser mezclados (o borrados definitivamente) con prácticas y sentidos de vida cotidiana. "¿Qué hacemos con la participación política en la red? ¿Divagamos o incidimos? ¿Dialogamos o mantenemos monólogos digitales?"

Carmen Haro Barba es profesora de Periodismo participativo en la red e Información y derechos humanos en la Universidad de Valladolid. Doctora en Comunicación y Ciencias Sociales por la Universidad Rey Juan Carlos. Desde el año 2005 participa en numerosas iniciativas ciudadanas y proyectos de dinamización de comunidades creativas.



José Manuel Sánchez Duarte es profesor de Opinión Pública y Comunicación Política, doctor en Comunicación por la URJC, doctor en Ciencias Sociales (especialidad Política) por la Pontificia Católica Universidade de Sâo Paulo y postgraduado en investigación social aplicada y análisis de datos por el Centro de Investigaciones Sociológicas.

Viernes 20 de mayo - 19.00 h. Salón 6
“Locas del pueblo: les faltaba de todo, pero no la razón”, por Rafael Sánchez Mateos
La excepcional historia de las hermanas Coralia y Maruxa será el punto de partida para conversar y discutir, entre otras cosas, sobre la enajenación pública como forma de resistencia ante la represión y sobre la rebeldía de aquellas personas que practican un gesto que convierte el espacio público en un lugar de conflicto.

Rafael Sánchez Mateos Il Baloardo Paniaguado. Dottore a l'università di Bologna.

Viernes 20 de mayo - 21.00 h. Performance 2

"Relincho", de Carmen Meinhof.
“Sueño que estoy sentada en el diván de Freud
que entre raya y raya, me explica, que
Hamlet, cuando dijo eso de ‘ser o no ser’,
en realidad quería decir ‘tener o no tener’. Falo.”

Texto e interpretación: Carmen Meinhof
Diseño y animación: Oscar Martin
Video: Julia Metzger -Traber y Tomeu Blanch
Dirección: Valeria Germain y Carmen Meinhof

Carmen Meinhof (Valencia, 1979) es creadora e intérprete. Licenciada en Coreografía y Técnicas de Interpretación de Danza contemporánea y técnico superior en Artes Plásticas y Fotografía. En 2011 se establece en Berlín donde funda el colectivo de artes escénicas 77 Stolen Fish y en 2012 empieza a trabajar de manera intermitente con la compañía de danza de Johanna Devi. En 2013 recibe el premio a la Mejor Intérprete Femenina del Festival Internacional de Teatro de Erbil, Kurdistan, Irak. Ha actuado en escenarios como el Berliner Ensemble, Haus der Kulturen der Welt, Berlín, Teatro Nacional de Bagdad, Irak y en diversos festivales de artes escénicas como Urbe y Cuerpo, D.F, México, Dage med Brecht, Svenborg, Dinamarca, etc.

Sábado 21 de mayo - 12.00 h. Salón 7
“Un salón anatómico. Exploración del sistema fonatorio. Recovecos y cavidades de la conversación”, por Déjame entrar.
Déjame entrar es un grupo de investigación y trabajo entorno a la anatomía humana. Su forma de acción, como la de cualquier anatomista, es el estudio y la observación del cuerpo dividido en sus partes. En sus encuentros de trabajo juntan el estudio anatómico a la práctica artística, a la charla, a la lectura. Buscan una anatomía sensual que les permita comprender, una por una, las formas y las funciones del cuerpo, ya que piensan que en ellas está escondido el secreto de la existencia.

Déjame entrar son: Jesús Rubio Gamo, Camille Hanson, Irene Cantero, Elena Córdoba, Mar López, Paloma Diaz, David Benito, Elena Alonso, Janet Parra, Patricia Torrero, Fernanda Orazi, Lola Jiménez, Juan Perno, Lucas Condro, Pablo Messiez, Esther Rodriguez-Barbero, María José Pire, Oscar Dasí, Sergi Faustino, Itxaso Corral.

Sábado 21 de mayo - 19.00 h. Salón 8
“Post-Vegano no-cocinado. De brotes y fermentación como acto político”, por Anna Natt
En este salón se conversará sobre la cultivación de brotes y la fermentación como un acto político. Las prácticas do it yourself (hazlo tú mismo) están vinculados al pensamiento anticonsumista y construyen comunidades a través de compartir tanto los conocimientos como las diversas culturas iniciadoras necesarias para la fermentación. Los ritmos de la germinación de las brotes y la fermentación dan la posibilidad de participar íntimamente con el entorno a través de los alimentos y hacen más conscientes de la conexión a la red de la vida y, a su vez, de la conexión con los demás.

Anna Natt, una fascinación por los cefalópodos y las brotes ha hecho de ella la mujer que es hoy en día.

Sábado 21 de mayo - 21.00 h. Performance 3

"Encapsulated music or/and script for Empathy", de Claudia Pagés
“Empathy grow/stack/raise/hold/encapsulate” es un intento de Gesamtkunstwerk con música, coreografía, diálogo, personajes, vestuario y escenografía - que ha dejado de funcionar como un todo y ha decidido apilarse, crecer, aguantar, elevar y encapsular en un “cada uno por su lado”. Es una performance que combina música ambiental y voz. La voz contextualiza múltiples personajes recitando diálogos, historias y poemas que van apareciendo en diferentes capítulos. En ella se describen diferentes anécdotas y situaciones resultantes de una colisión en una institución y cómo ésta afectó a las personas que participaron, tanto en el trabajo, en casa como en sus cuerpos. El texto, que sigue la melodía de la música ambiental que lo acompaña, cuestiona la necesidad de empatizar no sólo dentro de las empresas y las instituciones, sino también en las relaciones interpersonales.

Claudia Pagés es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Actualmente cursa un MFA en Fine Arts en Sandberg Instituut, Amsterdam, Holanda. Individualmente ha presentado su trabajo ens vam preguntar: i ara, com cantem si no cantem plegades? (Museu Molí Paperer, Capellades, 2014) y Tanssipaikka (Lume Media Gallery, Helsinki, 2013). Ha realizado performances en Caravana de tràilers (organizado por G.R.U.A. Grec Festival, Antic Teatre, Barcelona, 2014), You are never not supposed to be working (comisariada por Angela Serino, Hangar, Barcelona, 2014), IN_PRESCINDIBLES (La Poderosa, Barcelona, 2014), “ES BIEN” EN SERIO (L’Estruch, Sabadell, 2013) o What does it mean to have (this) space (comisariada por S. Väliheikki & H. Ohtonen, Node Gallery, Helsinki, 2013) y Apuntes en sucio (Teatro Pradillo, Madrid, 2015).

Domingo 22 de mayo - 12.00 h. Salón 9
“Realidades virtuales y memorias holográficas de lo cotidiano. La representación gamificada del mundo”, por Adolfo Muñoz
Este es el año en el que las tecnologías de la realidad virtual copan los titulares de los medios de comunicación, debido a la puesta en marcha de una operación comercial de fabricación y venta a gran escala de gafas de realidad virtual por parte de grandes empresas como Valve, Google, Sony o Microsoft. Que lo virtual llena ya nuestras vidas resulta obvio cuando nuestra cotidianidad gira alrededor de pantallas de móviles para comunicarnos con los demás y construirnos a nosotros mismos mediante aplicaciones como Facebook o Instagram. Nuestra imagen y lo que somos ante los demás y nosotros mismos es una construcción cotidiana vertida en la web, los chats y las apps de todo tipo, incluidos los juegos con acceso a información personal (véase Candy Crash). ¿Qué nuevas transformaciones sociales se gestarán alrededor de las tecnologías que, como los nuevos sistemas de realidad virtual, prometen llevar mundos inmersivos tridimensionales a la experiencia cotidiana de la vida misma? To be continued.

Adolfo Muñoz es profesor titular de la Universitat Politècnica de València. Imparte asignaturas de postproducción de vídeo y efectos especiales en el grado y el máster de producción artística de la Facultad de Bellas Artes y de Videojuegos en el grado de Ingeniería de Informática. Es investigador y programador de proyectos de realidad virtual y aumentada en el ámbito artístico y pedagógico.

Domingo 22 de mayo - 19.00 h. Salón 10
“Brindis ruidista celebrando 100 años de DADÁ”, por Gora_alDADÁ
"¿Qué es DADÁ?" Se preguntaba una revista, ¿un arte?, ¿una filosofía?, ¿política?, ¿un extintor de incendios?" DADÁ propaga cual infección lo que usted quiera que propague, lo que usted quiera que sea. DADÁ no es nada, pero ese no ser nació en 1916. Hace 100 años que DADÁ se esfuerza en desvanecerse sin conseguirlo jamás".

Gora_alDADÁ ya no rezuma rivalidad, como dicen lo hacían los DADÁS pero quiere como ellos dejar de ser mientras se inventa. Nacieron hace poco y son a veces muchos y otras casi ninguno.

Miércoles 25 de mayo - 22.00 h. Performance 4
"Uro", de Anna Natt
Uro es una investigación de la masculinidad en contraste con el cuerpo animal filtrado a través de la estética de la corrida de toros. Pretende transmitir lo que puede ser percibido a nivel físico y visceral, al enfatizar la importancia de la relación entre las emociones en estado puro y la conexión con construcciones culturales. De ahí surge el diálogo sobre cómo los sentidos perciben y cómo el cuerpo reacciona.

Anna Natt estudió flamenco en la Fundación de Arte Flamenco Cristina Heeren en Sevilla y completó sus estudios con profesores diferentes, el más notablemente Israel Galván. Es solista en la compañía suiza de flamenco El contrabando y da clases en la escuela de danza Centro Flamenco de Berlín. Su trabajo explora la intersección entre el flamenco, la performance y la videodanza. En 2011 colaboró con la cineasta Dalia Castel en la película sobre flamenco experimental Grotesquería. Su performance Uro fue premiada en el Festival Euroscena de Leipzig en 2013 y presentada en el Ada Studios performance series 10x6, en el Festival Blauverschiebung y en 9x22 Performance Series en Minneapolis (EE.UU.). Su proyecto Der Dybbuk, o Dolores, it´s time to hang up the castanets! con el coro de la sinagoga de Leipzig fue co-producido por la Leipzig Schauspielhaus y El Festival Euroscena de Leipzig y presentada en la edición del festival de 2014. Herztätigkeit, es una colaboración con el artista Nicolas Baginsky sobre el bailarín de flamenco ruso-polaco Sylvin Rubinstein, desarrollado en el programa de residencias del Teatro Fleetstreet de Hamburgo.

Jueves 26 de mayo - 22.00 h. Performance 5
"Nunca llevo falda porque no se cruzar las piernas", de Ángela Millano
Exploración de un cuerpo en conflicto y desacuerdo. Un cuerpo en constante tensión entre ser, parecer, querer ser, tener que ser, creer ser, y que al mismo tiempo se pierde una y otra vez en el hedonismo de sí.

Ángela Millano es performer, bailarina, escritora, profesora, licenciada en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid y graduada en danza contemporánea por el RPCD Mariemma de Madrid y mono en guerra. Desde 2013 reside en Berlín, donde ha trabajado de asistente coreográfica y performer para Isabelle Schad en "Collective Jumps" y de profesora de investigación en movimiento para adultos y danza creativa para niños. Actualmente está desarrollando el proyecto Nunca llevo falda porque no sé cruzar las piernas con el apoyo de Histeria kolektiboa (Bilbao), Dantzagunea (Renteria), Sala Baratza (Vitoria) y Sala Pradillo (Madrid). Este proyecto cuenta también con la ayuda a la creación coreográfica del Gobierno Vasco 2015 y forma parte del programa Dantzan Bilaka 2016.

Viernes 27 de mayo - 22.00 h. Performance 6

"One is almost never", de Elpida Orfanidou
Pieza que hasta la fecha ha ocurrido en el formato de una danza-discusión proponiendo un paisaje de constantes micro sabotajes. Surge de un lugar inseguro de confusión organizada, jerarquías móviles e intenciones alquímicas. Dentro de la lógica flexible de una conversación resquebrajada, la danza mística y los sonidos tradicionales se usarán para completar una misión destinada a su entera disolución.

Elpida Orfanidou estudió danza, piano y farmacia. Su estudios de danza continuaron en Arnhem (BA Choreography / ArtEZ ), Montpellier (ex.e.r.ce 2007, con la dirección de Mathilde Monnier y Xavier Le Roy) y Londres (MA Performance Practice and Research). En 2009 recibió una beca del Impulstanz Festival de Viena. Ha producido y creado para ella misma o en colaboración con otros artistas piezas como “​United States​”, con Hermann Heisig , y "​Elpid'arc​", con Juan Perno. Su trabajo se ha presentado en diferentes teatros y festivales de Europa como el Tanz im August, HAU Theatre, Sophiensaele, Athens & Epidaurus Festival, Onassis Cultural Center Athens, Tanzquartier Wien, Teatar i TD Zagreb, o Norwich Festival. Como performer ha trabajado con artistas como Gui Garrido, Meg Stuart, Tim Etchells, Daniel Kok, Vlatka Horvat Ebtre, entre otros. En 2014 empezó la colaboración con Simone Truong, Eilit Marom, Anna Massoni y Adina Secretan para el proyecto "(To) Come and See", estrenado en el Gessnerallee de Zurich en 2016. Actualmente trabaja con Pieter Ampe en el proyecto colectivo “It's in the small things" en el KVS de Bruselas. Elpida reside entre Berlín y Atenas.

Sábado 28 de mayo - 22.00 h. Performance 7

Death 24 frames per second or do it to me like in a real movie - delayed choreography in chapters, de Agata Siniarska
Éste solo está ocurriendo a 24 frames por segundo, como en una película real. / Éste solo tiene capítulos / es dramático, pero guapo / se mantiene de pie, se sienta, se tumba con una boca salvaje y abierta / reclama muchos nombres: mulvey, akerman, butler, vitti, antonioni, shermann, radkiewicz, pollock, fassbinder pero ellos no están entusiasmados con la idea. / Éste solo crea una categoría de verdad y cree profundamente en ella / toca la vida y la muerte / nunca ha oído hablar de Agata Siniarska. / Éste solo es totalmente consciente de que lo que hace aquí es capitalismo emocional / preferiría que Jean Luc Godard fuera una mujer / está exclusivamente involucrado en intrigas amorosas / padece por todas las mujeres heterosexuales / es una víctima potencial y tiene sentido de culpa por ello. / Éste solo te ama y espera que tú seas un hombre de verdad. / Éste solo se mantiene en un frame durante mucho tiempo / quiere existir en todas las posiciones posibles / está esperando/ dice lo siento.

Coreografía: Agata Siniarska
Mentor artístico: Bush Hartshorn
Realización Técnica y Luces: Łukasz Kędzierski
Producción: Art Stations Foundation by Grażyna Kulczyk

Agata Siniarska, realiza proyectos en formatos como la performance, eventos, prácticas, videos. Tras probar con diferentes tipos de formas teatrales y estudiar coreografía, actualmente se acerca a los estudios feministas desde una perspectiva divertida y cultiva el lenguaje, la escritura, el cine y la animación en el ámbito de sus prácticas. Es una de las fundadoras de Female trouble – un colectivo interesado por cuestiones de identidad, cuerpo, feminismo, placer, afirmación y amor. Adicta a la ficción, investiga sobre representaciones subjetivas escritas en fragmentos. Alimentada por la energía de un profundo suspense teórico, procede con pasión y fascinación intensas en cada acción que ella realiza, actuando en muchas ocasiones, no en soledad, sino acompañada de una multitud de exquisitas aventuras.

Con el apoyo de Art Stations Foundation

Domingo 29 de mayo - 22.00 h. Performance 8
"Tu noche y la mía", de Tania Arias
Tu noche y la mía es un fragmento de la pieza bailarina de fondo en concierto.
Tu noche y la mía es un tríptico. El tríptico del agujero negro. Tres actos que plasman un duelo, el desdoblamiento entre lo que pienso y lo que siento.
En el silencio aparece la palabra, el canto, la música y otra y otra más y otra.
Tu noche y la mía es un canto a la emoción. Un intento de romper el muro de la razón.
¿Explicar lo que siento?
En la noche, tu noche y la mía.
Soy yo y eres tú porque todos somos uno y todos tenemos agujeros en nuestro interior.
Suena una música de salsa de Apolo mientras Dionisos se acaricia mirándole tras el cristal del peep-show de la historia.

Tania Arias Winogradow desarrolla su proyecto escénico contra la extinción creando obras en diálogo con otros artistas. Bailarina de fondo en concierto y danza más cabra son parte de este proyecto. Algunos artistas con los que ha trabajado últimamente son Mónica Valenciano, Mauricio Celeste González, Johannes de Silentio, Juan Loriente, Carlos Marquerie, Cecilia Molano, Sonia Guisado, Jaime Conde-Salazar. Colabora junto a Simone Forti coordinando las Dance Constructions presentadas en el Museo Reina Sofía de Madrid dentro de la exposición +-1961: La expansión de las artes hace un par de años.

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